Arte y música se funden en un pionero proyecto común entre MUSAC y Fangoria

28 04 2008

CASTILLA Y LEÓN
EFE

LEÓN.- La música y el arte más vanguardista se funden en el pionero proyecto común desarrollado por el Museo de Arte Moderno de Castilla y León (MUSAC) y el grupo ‘Fangoria’ mediante la edición de un DVD con seis “videocreaciones” artísticas que acompaña a su último disco, “Arquitectura Efímera”.

Así coincidieron en señalarlo tanto la vocalista Alaska como el director del MUSAC, Rafael Doctor Roncero, que ofrecieron una rueda de prensa en León, junto a la consejera de Cultura y Turismo de la Junta de Castilla y León, Silvia Clemente, para presentar esta iniciativa.

La edición especial de “Arquitectura Efímera” objeto de la presentación, con una amplia tirada, incluye junto con el disco en sí un DVD que recoge seis piezas o “videoclips” encargados a otros tantos artistas del campo de la videocreación contemporánea.

Manu Arregui, Carles Congost, Christian Jankowski y Martín Sastre conforman una nómina de artistas, seleccionada y subvencionada por el MUSAC, que completan dos artistas de Castilla y León: la palentina Marina Núñez y la vallisoletana Ruth Gómez.

El proyecto persigue “explorar las vinculaciones que existen entre la música y el arte contemporáneo” mediante la realización de piezas artísticas en soporte de vídeo inspiradas en algunas de las canciones integradas en “Arquitectura Efímera”.

(http://www.elmundo.es/navegante/2004/05/06/arte/1083835792.html)

 

 





SonarFiles recorre diez años de vanguardia cultural

28 04 2008

MADRID, HASTA EL 6 DE JUNIO
EFE

MADRID.- Como aperitivo del 11 Festival Internacional de Música Avanzada y Arte Multimedia de Barcelona (SONAR), que se celebrará del 17 al 18 de junio, se ha inaugurado en Madrid la muestra SonarFiles, en la que se ofrece un recorrido inédito por la Historia de la Cultura Electrónica Contemporánea.

Expuesta en la Fundación Telefónica hasta el 6 de junio, SonarFiles, según el comisario de la misma, Oscar Abril, muestra “un fondo itinerante de cultura electrónica que el festival ha ido generando tras diez años de celebración, que permite tener una visión de la evolución de la creación contemporánea por primera vez en el país”.

La Fundación Telefónica y Advanced Music, organizadores del festival barcelonés, ponen a disposición del público los fondos de la mediateca de Sónar, en total 60 obras de un total de 600 entradas de archivos en soporte CD audio, CD rom y vídeo, a través de las que se puede contemplar la evolución del arte digital, de la creación audiovisual y de las músicas avanzadas desde 1994.

La muestra está amenizada por el pinchadiscos Agua DJ, responsable del programa de M-80 radio “Agua” y que estos días publica el tercer volumen del disco ‘Sonidos en agua’, una selección de artistas como Beth Gibbons, Nikaikoi, Ursula Rucker, Tosca, Jan Jelinek o Bugge Wesseltoft, entre otros.

SonarFiles, según la organización, está concebido para que sirva para interpretar la Historia de la Cultura Electrónica Contemporánea a través de los diferentes ordenadores instalados en la Fundación, desde los cuales los asistentes pueden acceder algunas de las secciones de los mismos, como el de “Diez años de músicas avanzadas”, un menú de audición de 27 recopilatorios discográficos con lo mejor del género.

“Diez años de arte digital” corresponden a una selección de 19 obras pertenecientes a los mejores artistas digitales de los últimos diez años; “Diez años de creación audiovisual” reúne más de ocho horas de producción audiovisual, vídeos, cine experimental y de animación, y en “Diez años de imagen del Festival Sonar” se ofrece la evolución gráfica del festival.

(http://www.elmundo.es/navegante/2004/05/06/arte/1083833520.html)

 





Bauhaus

28 04 2008

Walter Gropius, fundador y primer director de la Bauhaus, fue ayudante del arquitecto Behrens en la “Fábrica de turbinas de la AEG” en Berlín en 1908/9, edificio que inauguró la nueva arquitectura industrial alemana. Dos años después Gropius y Meyer construyen la “Faguswerk”, proyecto que a juicio de varios críticos supera al de Behrens, ya que concibe la fachada entera de vidrio por primera vez, reduciendo los elementos sustentantes a delgadas columnas de acero, sin tener que situar ningún elemento de sujeción en las esquinas. Cuando asume la dirección de la Bauhaus, continúa ejerciendo su labor como arquitecto con numerosos ejemplos, aunque su obra principal fue la construcción del edificio de la propia “Bauhaus” en Dessau en 1925/26. Dispone la planta del edificio en forma de una doble “L” articulando los diversos cuerpos del mismo a través de diferentes ejes. Valora los volúmenes nítidos, predomina la línea recta, suprime cualquier decoración, todo el paramento aparece recorrido por el cristal (cerrando y a la vez abriendo el espacio), la utilización del hormigón armado, todo ello es un claro exponente de los nuevos ideales arquitectónicos de los primeros años del siglo XX, el funcionalismo y la racionalidad.

Hannes Meyer, colaborador de Gropius, inaugura con su dirección al segunda etapa de al Bauhaus, en Dessau, caracterizada por una especial atención a la arquitectura funcionalista y social y un aumento de la producción.

Por último cabe hablar del arquitecto Mies van der Rohe que sucedió a Meyer como director en la tercera y última etapa de la escuela. Al igual que Gropius, Mies colaboró con Behrens y en su producción temprana se nota su influencia. Podemos decir que en su obra se aprecian los principios del neoplasticismo en el uso casi exclusivo de la cubierta plana, en la continuidad horizontal de los espacios y en la atención por las cualidades plásticas de los materiales empleados. Siendo director de la escuela recibió el encargo para realizar su obra más significativa en Europa, el “Pabellón Nacional de Alemania en Barcelona”, construido para la Exposición Internacional de 1929 que, en la actualidad se ha reconstruido en su emplazamiento original. Está realizado con mármol, acero y cristal a base de una estructura de pilares de acero cruciformes que sujetan una cubierta plana. Las paredes del interior, solo cumplen funciones de cierre, son de mármol y los cierres del exterior de cristal. Destaca el cruce de los planos construidos, a base de líneas perpendiculares, dando como resultado una geometrización del espacio que ejerció una gran influencia posterior. Su entorno natural casa perfectamente con la idea de Mies al respecto, por lo que el agua juega un importante papel. Con la subida de Hitler al poder en 1933, la escuela obtuvo la consideración de “escuela de degenerados”, con lo que las aulas se clausuraron y sus profesores fueron perseguidos, motivo por el que algunos de ellos emigraron a otros países. Mies se dirigió a Estados Unidos donde, por su alto nivel de desarrollo fue terreno propicio para las experimentaciones del tipo Bauhaus.

(http://arte.laguia2000.com/)

 





FOTOS RENACIMIENTO

24 04 2008




Apolo y Dafne

22 04 2008

Apolo y Dafne 

Dafne, cuyo nombre significa “laurel”en griego, es una ninfa amada por Apolo que un día juró no pertenecer jamás a ningún varón.

Un día, Apolo la sorprendió escuchando su canto y se quedó enamorado de tal maravilloso susurro. Dafne al notar su presencia deja de cantar y queda inmóvil por el susto, mientras busca con ojos aterrados un escondite a su alrededor. El Dios Apolo la seduce con mágicas palabras de amor, ella le suplica que se detenga pero él es sordo a su ruego, entonces Dafne echa a correr, pero no tiene a donde huir. Indefensa, pide ayuda a la Tierra y ésta le oye; como salvación comienza a transformarse entre los brazos del Dios. Su suave piel se recubre de una corteza, sus uñas delicadas se alargan en hojas multiplicadas con mágica velocidad. Sus cabellos forman un denso ramaje, el rostro desaparece detrás de la corteza y el cuerpo se transforma en tronco.

Queda fijada con sus raíces hundidas en la tierra, rígida e inmóvil.

Apolo abraza tristemente el árbol y entre lágrimas declara que ese árbol será consagrado a su culto.

La más famosa de las obras inspirada en este relato mitológico es el grupo escultórico de Bernini, quien con su arte captó toda la angustia de la ninfa fugitiva.

(http://www.educa.aragob.es/iespluza/Extraescolares/Clasicos%20LUNA/Txt_revista/CL%20Apolo%20y%20Dafne.htm)





Victoria de Samotracia,majestuosa

22 04 2008

Victoria de Samotracia 

La Victoria, escultura en mármol de 2,45 metros de altura, se reproduce aquí fielmente en resina de poliester. La original, que se encuentra en el Museo de Louvre data de los años 220 al 190 antes de Cristo. Es una de las más bellas esculturas helenísticas. Formaba parte de un conjunto que conmemoraba una victoria naval. Erguida sobre la proa de una nave se levantaba al fondo de un ninfeo, o estanque, reflejándose en el agua. Con las alas desplegadas y los pliegues del vestido humedecidos por el viento del mar, transparentes y delicadamente pegados al cuerpo, origina una sensación de movimiento. La fluidez de sus ropas contrasta con la firmeza del cuerpo en una actitud tensa y teatral. Esta Victoria, o nike contiene la grandiosidad y el dinamismo de la escultura griega. 
Se encuentra en la hermosa Plaza del laberinto en el novísimo barrio de Leganés Norte. Con diseño de anfiteatro romano tiene en sus gradas capacidad para 500 personas y más de 5000 metros cuadrados de superficie.
(http://turan.uc3m.es/uc3m/dpto/HC/ESCUL/victoria.html)  




Boticelli,el nacimiento de Venus

22 04 2008

Venus* El método descriptivo se preocupa por la clasificación de la obra de arte y de la recopilación de datos.

“Sandro Botticelli es un temperamento artístico profundamente sensible y apasionado. Lejos de la inexpresión y rigidez de que a veces peca Ghirlandaio, la emoción guía su dibujo nervioso, agita los cuerpos de sus personajes y se desborda en sus rostros, expresivos y cargados de pesimismo.

En el Nacimiento de Venus trata de reconstruir una pintura perdida de Apeles, descrita en una poesía de Poliziano. Inspirándose probablemente en la Venus de Medicis, su propio sentido de belleza, totalmente diferente, la dota de una cabellera espléndida que aspira a ser velo de oro impulsado por la brisa que arquea suavemente su cuerpo. Para algunos, el modelo ha sido Simonetta, la amiga ede Lorenzo el Magnífico, nacida en el Porto Venere, lugar donde la diosa toma tierra al nacer.”   D. Angulo, Historia del Arte, págs. 103‑4. Edit. E.I.S.A.

 

* El método iconológico: busca el significado de la obra de arte.

“La filosofía del amor quedará plasmada en otra obra de Botticelli: “El Nacimiento de Venus”, que Salvisi cree fue pintada hacia 1482. La diosa del Amor se desliza, bajo el impulso de los vientos, hacia la orilla donde la Hora Primavera ha sembrado flores para recibirla, mientras que del aliento de los céfiros surgen rosas que perfuman el ambiente marino. La pose de la protagonista es la de “Venus púdica”, que expresa simultáneamente la doble naturaleza del amor, es decir, casto y sensual.

El tema en general deriva de la literatura homérica y latina, especialmente de Ovidio (Metamorfosis 11, 27 y Fastos Y, 27). Ahora, a finales del siglo XV, Botticelli y el poeta Poliziano es sus “Estancias” quisieron captar el espíritu de la “Venus Anadyomene” de Apeles, obra perdida y sólo conocida por descripciones.

Hay en el cuadro una dimensión poética por cuanto Venus significa Belleza, que para Pico representa un principio compuesto; por ello la obra supone una multiplicidad que no se halla en el reino del puro ser. Venus surge de la naturaleza informe de que está compuesta cada criatura, lo que se encuentra en el agua del mar.

Wind puntualiza al respecto que “para producir la belleza de Venus el elemento de mutabilidad de que habla Heráclito requiere una transfiguración llevada a cabo por el principio divino de la forma; y esa necesidad está realzada por la bárbara leyenda que Pico citaba de la Teogonía de Hesíodo, según la cual la espuma del mar de la que surgió la celestial Afrodita fue producida por la castración de Urano. Siendo Dios de los Cielos, Urano transmite a la materia informe el semen de las formas ideales”.

Tanto en la versión de Botticelli como en el poema de Poliziano la espuma de las olas está subrayada para dar carácter al mito cosmogónico por cuanto el espíritu divino es “transformado y diseminado en vientos y aguas” según las palabras de Plutarco; de ahí que se eligiera para la representación el momento siguiente al nacimiento cósmico.

Vemos a la diosa del amor surgida del mar y empujada por la primavera a la orilla; para sugerir que el mar fue fecundado por el cielo hay una lluvia de rosas bajo el aliento del dios del viento.”   Arte y Humanismo, S. Sebastián. Ensayos Arte Cátedra, págs. 191‑2.

 

* El método sociológico: se propone el conocimiento de las condiciones de creación de la obra y la conexión con la sociedad en la que surge.

“En la 2ª mitad del Quattrocento es efectivamente el elemento conservador el que impone el gusto en Florencia; pero el relevo de clases sociales no ha finalizado ni mucho menos; están siempre en juego fuerzas considerablemente dinámicas que impiden al arte anquilosarse en el preciosismo cortesano, en el artificio y el convencionalismo.

A pesar de la inclinación hacia una sutileza amanerada y hacia una elegancia frecuentemente vacía se imponen constantemente en el arte nuestros impulsos naturalistas… El arte de la 2ª mitad del Quattrocento sigue siendo un arte amante de la realidad, abierto a nuevas experiencias: es la expresión de una sociedad poco afectada y descontentadiza, pero no se impone en absoluto a la admisión de nuevos impulsos. Esta mezcla de naturalismo y convencionalismo, de racionalismo y romanticismo produce al mismo tiempo el comedimiento burgués de Ghirlandaio y el refinamiento aristocrático de Piero di Cosimo, la gozosa amabilidad de Pasellino y la mórbida melancolía de Botticelli. Las premisas sociales de este cambio de estilo ocurrido hacia mediados de siglo hay que buscarlas en parte en la disminución de la clientela. El dominio de los Medicis, con su opresión fiscal, redujo sensiblemente el volumen de los negocios y obligó a muchos empresarios a abandonar Florencia, transportando sus negocios a otras ciudades. La emigración de los trabajadores y el descenso de la producción, síntomas de la decadencia industrial, pueden advertirse ya en tiempos de Cosme. La riqueza se concentra en menos manos. El círculo de ciudadanos particulares clientes artísticos, que en la 1ª mitad de siglo tendía siempre a extenderse, muestra ahora una tendencia a restringirse. Los encargos provienen principalmente de los Medicis y de algunas otras familias; a consecuencia de este fenómeno la producción asume ya un carácter más exclusivo y refinado…

… Posición social del artista. El Renacimiento.

… Es significativo que los precios se mantuvieran en un nivel medio en general, y que incluso los artistas famosos no fuesen mejor pagados que los medianos y que los mejores artesanos. Personalidades como Donatello alcanzaban, desde luego, honorarios más altos, pero verdaderos “precios de aficionados” no existían aún. Gentile Fabriano obtuvo por la “Adoración de los Magos” 150 florines de oro; Benozzo Gozzoli, 60 por una imagen.

Como estipendio fijo percibía Ghiberti, durante su trabajo en las puertas del Baptisterio, 200 florines anuales, cuando el canciller de su Señoría obtenía 600, con la obligación además de pagar por sí cuatro escribientes. Un buen copista de manuscritos recibía en el mismo tiempo 30 florines y la plena manutención. Se ve, pues, que los artistas no estaban mal pagados, si bien, con mucho, no lo estaban tan espléndidamente como los famosos literatos y maestros, que muchas veces cobraban por año de 500 a 2.000 florines.

Todo el mercado artístico se movía en unos límites muy estrechos; los artistas tenían que pedir anticipos ya durante el trabajo, y los clientes a menudo sólo podían pagar los materiales a plazos … “

 (http://w3.cnice.mec.es/eos/MaterialesEducativos/bachillerato/arte/arte/pintura/anal-pi2.htm)